Koncerty

5 czerwca 2026 roku Filharmonia w Szczecinie oferuje zwiedzanie budynku w języku niemieckim o godzinie 13:00. Wycieczka trwa około 60 minut i obejmuje halę wejściową, salę kameralną, symfoniczną, Poziom 4. oraz sklep z pamiątkami. Uczestniczyć mogą turyści indywidualni i grupy bez konieczności rezerwacji, a bilet kosztuje 20 złotych (10 złotych ulgowy). Sprzedaż biletów prowadzona jest w kasie Filharmonii, biletomacie i online.

Filharmonia w Szczecinie organizuje wycieczki po swoim budynku w wybranych piątki o godzinie 14:00 w języku angielskim. Spacer trwa około 60 minut i obejmuje halę główną, salę kameralną, symfoniczną, czwarte piętro oraz sklep z pamiątkami. Zwiedzanie dostępne jest dla turystów indywidualnych i grup zorganizowanych bez konieczności rezerwacji, a bilety w cenie 10-20 złotych można nabyć w kasie, biletomacie lub online. Filharmonia zastrzega sobie prawo do odwołania wycieczki w przypadku braku dostępności przestrzeni.

Filharmonia w Szczecinie organizuje wycieczki po swoim budynku, trwające około 60 minut. Trasa obejmuje hol, salę kameralną, symfoniczną, Poziom 4., sklep z pamiątkami i wydawnictwami. Od kwietnia 2026 w piątki odbywają się trzy tury: o 13:00 w języku niemieckim, o 14:00 w angielskim i o 15:00 w polskim. Bilet kosztuje 20 zł (ulgowy 10 zł) i można go nabyć w kasie, biletomacie lub online; rezerwacja nie jest wymagana.

Wystawa "Haunting of Painting" prezentuje prace pracowników Wydziału Malarstwa i Praktyk Kuratorskich Akademii Sztuki w Szczecinie oraz wyboru absolwentów i absolwentek. Kuratorzy Katarzyna Szeszycka, Natalia Karczewska, Michał Knychaus i Adrian Kolerski zestawili te prace, aby pokazać ciągłość i transformację języka malarskiego we współczesnym polu sztuk wizualnych. Wystawa rozwija ideę powracających widm tradycji artystycznej, ujawniając warstwy pamięci i wizualnych kodów, które łączą przeszłość z bieżącymi napięciami społecznymi i technologicznymi. Ekspozycja stanowi finał cyklu wystawienniczego w sezonie artystycznym 2025/26, który odbywał się w Filharmonii im. M. Karłowicza.

12 czerwca 2026 w Galerii Poziom 4 Filharmonii Szczecińskiej odbędzie się recital fortepianowy na zabytkowym instrumencie Bechstein z 1865 roku. Półgodzinny koncert rozpocznie się o 18:15 i poprzedzi program symfoniczny. Fortepian, który po latach nieobecności powrócił do Szczecina, zagra szczecińskich pianistów. Wstęp do recitalu dostępny jest dla posiadaczy biletów na koncert symfoniczny tego dnia.

12 czerwca 2026 roku w Szczecinie odbędzie się koncert zamykający 78. sezon artystyczny. Wydarzenie poświęcone będzie III Symfonii Gustawa Mahlera, monumentalnemu utworowi z 1902 roku, którego kompozytor zamierzał uczynić „muzycznym uniwersum" zawierającym wszystkie wymiary istnienia, od budzenia się przyrody przez świat zwierząt i ludzi aż po sfery duchowe. Dalsza część imprezy pozostaje wiadomością niejawną.

Koncert Donuta Extra odbędzie się 15 czerwca 2026 roku i skierowany jest do dzieci w wieku przedszkolnym i wczesnoszkolnym. Orkiestrą dyryguje Bartłomiej Orłowski, absolwent Akademii Sztuki w Szczecinie, gitarzysta grupy CHORZY i założyciel szkoły Akukulele. Program koncertu obejmuje utwory wykonywane na ukulele, a młodzi słuchacze będą mieli możliwość aktywnego uczestnictwa w muzycznych zabawach. Cykl Donuta to seria koncertów kameralnych łączących teoretyczną wiedzę o muzyce z praktyką dostosowaną do najmłodszych odbiorców.

Szczecin Young Percussion to zespół młodych perkusistów, uczniów Zespołu Państwowych Szkół Muzycznych w Szczecinie pracujących pod kierunkiem Dariusza Jagiełły, muzyka Orkiestry Symfonicznej Filharmonii. Grupa, działająca od 2004 roku, zdobyła nagrody na ogólnopolskich konkursach zespołów perkusyjnych i koncertowała za granicą oraz w ramach krajowych festiwali i edukacyjnych przedsięwzięć Filharmonii. Koncert odbędzie się 18 czerwca 2026 w sali kameralnej Filharmonii w Szczecinie.

"Echa Filharmonii" to mobilna gra miejska realizowana w ramach Festiwalu "Słyszę Dobre Dźwięki" 19 czerwca 2026 roku. Uczestnicy korzystając ze specjalnej aplikacji odkrywają punkty na mapie Szczecina i rozwiązują zadania, odnajdując zagubione nutki, które przybliżają muzyczną historię miasta. Grę zaprojektowała Karolina Kaleta, wykładowczyni Akademii Sztuki w Szczecinie specjalizująca się w game designie i projektowaniu gier dla instytucji publicznych. Osoby, które zdobędą komplet nutek, mogą skomponować z nich utwór i przybyć do Filharmonii, gdzie czekają upominki.

Debata oksfordzka „Cisza w mieście" odbędzie się 19 czerwca 2026 roku i podejmie dyskusję na temat relacji między redukcją hałasu a funkcjonowaniem miejskiego życia społecznego. Uczestnicy będą rozważać systemowe rozwiązania problemu zanieczyszczenia akustycznego, które dotyka mieszkańców w transporcie publicznym, przestrzeniach komercyjnych i na ulicach. Podczas spotkania poruszana będzie kwestia kształtowania świadomości społecznej dotyczącej komfortu akustycznego jako dobra wspólnego.

Tegoroczna edycja festiwalu Słyszę Dobre Dźwięki w Filharmonii im. Mieczysława Karłowicza to nietypowy przegląd poświęcony samemu słyszeniu. Program otwiera debata o smogu akustycznym, a obok niej stają warsztaty dla niemowląt, zajęcia ruchowe dla dzieci, treningi uważności dla rodziców i spotkania dla seniorów. Kulminacją jest plenerowe Święto Muzyki w Parku Żeromskiego, otwarte dla wszystkich i bez biletów. Trzy dni, w których muzykę można poczuć na wiele sposobów.

Warsztat wokalny dla seniorów odbędzie się 19 czerwca 2026 roku. Uczestnicy wezmą udział w rozgrzewce wokalnej, a następnie będą wspólnie śpiewać przy akompaniamencie pianina lub akordeonu. Spotkanie skierowane jest do wszystkich seniorów niezależnie od doświadczenia muzycznego. Warsztaty oferują możliwość wspólnego śpiewania oraz nawiązania kontaktu z innymi uczestnikami.

Dwugodzinny warsztat „Mindfulness dla rodziców" odbędzie się 19 czerwca 2026 i poświęcony będzie praktycznym techniką uważności wspierającym rodziców w codziennych wyzwaniach. Prowadzić go będzie Weronika Chmielewska, certyfikowana nauczycielka uważności, która zapozna uczestników z metodami regulacji emocji i budowania świadomych relacji z dzieckiem. Warsztat ma charakter praktyczny i obejmuje techniki aplikowalne w rzeczywistych sytuacjach rodzicielskich, bez teoretycznych wykładów oderwanych od codzienności.

Cross Generation Silent Disco to impreza taneczna odbywająca się 19 czerwca 2026, na której uczestnicy za pośrednictwem bezprzewodowych słuchawek wybierają jeden z trzech kanałów muzycznych dostosowanych do różnych pokoleń. Pierwszy kanał prezentuje klasyczne przeboje disco i rocka z lat 70. i 80., drugi obejmuje pop, dance i alternatywę z lat 90. i 2000., a trzeci skoncentrowany jest na współczesnym popie, hip-hopie i elektronice. Wydarzenie pozwala osobom w różnym wieku tańczyć wspólnie na parkiecie mimo słuchania różnych brzmień.

Koncert "Muzyka dla autystyka" odbędzie się 20 czerwca 2026 w sali kameralnej Filharmonii im. M. Karłowicza w Szczecinie. Wydarzenie jest dedykowane osobom w spektrum autyzmu i przystosowane do ich potrzeb, sala będzie przytłumiona oświetleniem i dźwiękami, a słuchacze będą mogli przebywać w niej na własnych warunkach: siedząc, leżąc na poduchach czy poruszając się po salach bez zakazu opuszczenia. Karłowicz Quartet w składzie Elżbiety Fabiszak-Dąbrowskiej (skrzypce), Karoliny Hyla-Wybraniec (skrzypce), Dawida Pajdzika (altówka) i Klary Świdrów (wiolonczela) zaprezentuje repertuar muzyki klasycznej dobierany z myślą o bezpieczeństwie i komforcie słuchaczy. Przewodnik dostępny przed koncertem zawiera informacje o przebiegu wydarzenia.

20 czerwca 2026 roku w Szczecinie odbędzie się impreza taneczna "Bal dla malucha". Kwartet jazzowy w składzie Olgi Tadel, Adama Tadela, Szymona Madeja i Kajetana Borowskiego zagraje na żywo dla najmłodszych i ich opiekunów. Wydarzenie poprowadzi wokalistka i skrzypaczka Olga Tadel, absolwentka Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach oraz Akademii Sztuki w Szczecinie. Impreza łączy momenty energii z chwilami wyciszenia, odbywając się bez sztywnych zasad.

Warsztaty ruchowe "Taniec w kręgu" odbędą się 20 czerwca 2026 i będą oparte na elementach terapii tańcem oraz dańcach w kręgu. Zajęcia poprowadzi dr Katarzyna Turek, muzykoterapeutka i instrumentalistka, która zaproponuje uczestnikom połączenie relaksu, ruchu i tańca przy muzyce etnicznej, jak również ćwiczenia wykorzystujące łagodne dźwięki z muzykoterapii. Warsztaty nie wymagają doświadczenia tanecznego i odbywać się będą w atmosferze wolnej od oceniania, skierowanej na rozluźnienie napięć i wsłuchanie się w naturalny rytm uczestników.

Koncert odbędzie się 20 czerwca 2026 w całkowitej ciemności, podczas którego pianista Tomasz Jocz zaprezentuje utwór poświęcony minimalistycznej i nowoczesnej muzyce, w tym dzieła Erika Satie, Philipa Glassa i Johna Cage'a. Uczestnicy otrzymają opaski na oczy, aby skupić się wyłącznie na doświadczeniu słuchowym i percepcji dźwięku. Recital ma charakter intymny i medytacyjny, umożliwiając słuchaczom głębokie zaangażowanie się w muzykę bez bodźców wizualnych.

Spotkanie „Raniutto dla wcześniaka" odbędzie się 21 czerwca 2026 roku i poświęcone będzie muzykoterapii dla najmłodszych dzieci. Zajęcia poprowadzi Wiktoria Góral, certyfikowana muzykoterapeutka z wykształceniem na Akademii Muzycznej im. Karola Szymanowskiego w Katowicach, zajmująca się również badaniami naukowymi nad skutecznością muzykoterapii w wspieraniu zdrowia psychicznego rodziców. Podczas sesji uczestnicy będą uczestniczyć w zabawach muzykoterapeutycznych dostosowanych do najmłodszych, mających na celu wzmocnienie więzi między opiekunem a dzieckiem.

Interaktywna audioinstalacja „Czuję Dobre Dźwięki" będzie dostępna podczas festiwalu Słyszę Dobre Dźwięki 19 czerwca 2026 roku w VIP roomie. Projekt kompozytora i twórcy udźwiękowienia Bartłomieja Hajkiewicza łączy sesje głębokiego słuchania opartą na praktyce uważności z interaktywną instalacją elektroakustyczną, w której uczestnicy mogą aktywować dźwięki dotykając rozmieszczonych w przestrzeni metalowych elementów. Rezonujące powierzchnie emitują syntetyczne kompozycje i nagrania terenowe, których wibracje są fizycznie odczuwalne, tworząc wspólne doświadczenie słuchowo-dotykowe bez wymogu przygotowania muzycznego.

21 czerwca w Parku Żeromskiego odbędzie się edycja Święta Muzyki, inaugurowana warsztatami rodzinnymi prowadzonymi przez instruktorkę jogi Jowita Modrzakowską. Uczestnicy będą ćwiczyć ćwiczenia ruchowe, oddechowe i praktyki mindfulness dostosowane dla dzieci i dorosłych, mające na celu wzmocnić więzi rodzinne i naukę redukowania stresu. W dalszej części dnia Park Żeromskiego zapełni się muzyką w różnych odsłonach, stanowiąc przestrzeń do aktywnego uczestnictwa bez scentralizowanego programu.

Muzyczne spotkanie dla najmłodszych, pełne piosenek, instrumentów i wspólnego grania. Dzieci poznają dźwięki wszystkimi zmysłami i same stają się częścią rozśpiewanej zabawy.

W niedzielę 21 czerwca, w Międzynarodowe Święto Muzyki, przez Szczecin przejdzie barwna "muzyczna paka" wyruszona z okolic Filharmonii, ruchoma platforma wioząca artystów i instrumenty przez rozpoznawalne miejsca miasta związane z muzyką. Trasa będzie obejmować przystanki z przebojami z płyty "I żyli długo i w Szczecinie". Równocześnie w Parku Żeromskiego od godziny 12:00 do 16:00 odbywać się będzie Święto Muzyki, wydarzenie bez stałego centrum, gdzie zarówno artyści, jak i mieszkańcy mogą uczestniczyć aktywnie. Całodniowe świętowanie wypełni publiczne przestrzenie miasta muzyką w różnych formach.

W ramach Festiwalu Słyszę Dobre Dźwięki 2026 specjaliści z firmy Audika przeprowadzą bezpłatne badania słuchu w słuchobus-ie postawionym w Parku Żeromskiego w niedzielę 21 czerwca w godzinach 12:00-16:00. Badania mają na celu ocenę stanu aparatu słuchowego oraz ewentualnych ubytków słuchu, których wczesna diagnostyka może zapobiec późniejszym konsekwencjom społecznym i zdrowotnym.

Warsztaty malarskie „Dźwięki na płótnie" odbędą się 21 czerwca w ramach Fête de la musique w Parku Żeromskiego. Uczestnicy będą malować, słuchając muzyki programowej, której treść stanie się inspiracją dla ich własnych interpretacji plastycznych. Zajęcia nie wymagają doświadczenia artystycznego i adresowane są do osób chcących połączyć słuchanie muzyki z twórczym tworzeniem. Święto Muzyki organizowane w parku zaproponuje muzykę w różnych formach jako spotkanie mieszkańców z sztuką, innymi ludźmi i miastem.

Warsztaty jogi odbędą się 21 czerwca 2026 roku w Parku Żeromskiego pod kierunkiem Pauliny Zaniewskiej, certyfikowanej instruktorki jogi o dziesięcioletnim doświadczeniu. Zajęcia skierowane są do osób w każdym wieku i na każdym poziomie zaawansowania, poprowadzone będą w stylach vinyasa yoga, yin yoga oraz ashtanga yoga. Zaniewska specjalizuje się w pracy z oddechem, jogą hormonalną dla kobiet oraz zajęciach dla osób starszych, kobiet w ciąży i dzieci. Tego samego dnia w Parku Żeromskiego odbędzie się Fête de la musique, międzynarodowe święto muzyki. Wydarzenie nie ma jednolitego programu ani centralnego miejsca, a jego organizacyjnym założeniem jest możliwość aktywnego udziału dla każdego. Festyn obejmuje koncerty oraz spontaniczne przedstawienia muzyczne rozsianych po terenie parku.

Sesja otwarta prowadzona przez dwóch doświadczonych muzykoterapeutów, podczas której uczestnicy mogą aktywnie muzykować na instrumentach, użyć głosu lub wyrazić się poprzez muzyczną improwizację. Wspólna gra opiera się na prostych utworach stopniowo przechodzących w grupową improwizację, a prowadzący łączą indywidualne partie w spójną strukturę muzyczną. Udział nie wymaga żadnych umiejętności ani doświadczenia i jest dostępny dla osób z różnych grup wiekowych i społecznych, w tym osób z niepełnosprawnościami. Wydarzenie odbywa się 21 czerwca w Parku Żeromskiego w ramach Święta Muzyki.

21 czerwca 2026 roku odbędzie się koncert Pomelody, projektu muzycznego skierowanego do dzieci i dorosłych. Pomelody łączy muzykę, edukację i narrację, tworząc autorskie piosenki, audioseriale oraz koncerty rozwijające wrażliwość muzyczną najmłodszych. Widowisko, oprócz dźwięku, wykorzystuje ruch, scenografię i światło, ukazując opowieść o muzycznych owadach z audioserialu Łąka. Projektem kierują twórcy znani z połączenia wartości artystycznej z zaangażowaniem dla całych rodzin.

Orkiestra Symfoniczna Filharmonii w Szczecinie wystąpi 23 czerwca 2026 roku w Elbphilharmonie w Hamburgu pod kierownictwem Hansjörga Albrechta. Koncert, w którym udział weźmie również Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Chor Hamburg oraz soliści Camilla Nylund i Klaus Florian Vogt, będzie poświęcony muzyce Richarda Wagnera i Waltera Braunfelsa. Program obejmie fragmenty oper Wagnera, uwertury i preludia do Tannhäusera, Śpiewaków norymberskich i Parsifala, oraz monumentalne Te Deum Braunfelsa dla soprani, tenora, chóru, organów i orkiestry. Braunfels, kompozytor urodzony w 1882 roku, inspirowany twórczością Wagnera, należał do najczęściej wykonywanych niemieckojęzycznych twórców operowych pierwszej połowy XX wieku, zanim jego muzyka została zakazana w 1933 roku; od lat 90. XX wieku jego dzieła powracają na światowe sceny koncertowe.

Muzyka i żeglarstwo, dwie pasje, które połączył Jan Waraczewski, skrzypek i wieloletni koncertmistrz Orkiestry Symfonicznej Filharmonii w Szczecinie, tworząc wydarzenie, które od lat zachwyca melomanów. XXIV edycja koncertu Muzyka na wodzie ponownie zgromadzi publiczność na przystani w Dąbiu, oferując niezapomniany wieczór z arcydziełami muzyki klasycznej. W niezwykłej scenerii nad brzegiem jeziora zabrzmią przepiękna muzyka w wykonaniu Orkiestry Filharmonii w Szczecinie pod batutą Adama Domurata . Koncert Muzyka na wodzie to jedno z najbardziej wyczekiwanych wydarzeń muzycznych w Szczecinie. Każdego roku gromadzi ponad tysiąc słuchaczy, którzy przybywają, by doświadczyć wyjątkowego połączenia dźwięków i natury. Pomysłodawcą koncertu był Jan Waraczewski , propagator muzyki, skrzypek i wieloletni koncertmistrz Orkiestry Symfonicznej Filharmonii w Szczecinie, który połączył swoją miłość do muzyki i żeglarstwa, tworząc niezwykłą muzyczną tradycję. Choć artysty nie ma już z nami, jego dzieło żyje dalej, przyciągając kolejne pokolenia miłośników muzyki. Koncerty na przystani w Dąbiu to wydarzenia, które na długo pozostają w pamięci. Muzyka unosząca się nad taflą wody, otwarta przestrzeń i niezwykła bliskość natury sprawiają, że każdy dźwięk nabiera nowego wymiaru, jakiego nie oferują sale koncertowe. To właśnie ten wyjątkowy klimat sprawia, że Muzyka na wodzie co roku przyciąga tłumy i niezmiennie wzbudza zachwyt. Każdy, kto choć raz uczestniczył w tym wydarzeniu, wie, że jest to koncert inny niż wszystkie, pełen magii i niepowtarzalnej atmosfery.

W sierpniu 2026 Filharmonia organizuje wakacyjne zwiedzanie z oprowadzaniem w języku niemieckim, angielskim i polskim. Tury odbywają się w wybrane środy i piątki o godzinach 13:00, 14:00 i 15:00, trwając około 60 minut każda. Trasa obejmuje halę, salę kameralną, salę symfoniczną, Poziom 4. oraz sklep z pamiątkami. Bilety w cenie 20 zł (ulgowy 10 zł) dostępne są w kasie, biletomacie i online, rezerwacja nie jest wymagana.

W sierpniu 2026 Filharmonia w Szczecinie rozszerza ofertę zwiedzania. W wybrane środy i piątki będą się odbywać trzy tury oprowadzania, o godz. 13:00 po niemiecku, 14:00 po angielsku i 15:00 po polsku, każda trwająca około 60 minut. Trasa obejmuje halę, salę kameralną, symfoniczną, Poziom 4., sklep z pamiątkami i wydawnictwami. Bilety w cenie 20 zł (ulgowe 10 zł) dostępne są w kasie, biletomacie i online; rezerwacja nie jest wymagana.

W sierpniu 2026 Filharmonia w Szczecinie rozszerza swoją ofertę zwiedzania o dodatkowe dni, wycieczki odbywają się w wybrane środy i piątki o godz. 13:00, 14:00 i 15:00 w języku niemieckim, angielskim i polskim. Każda trasa trwa około 60 minut i obejmuje halę główną, salę kameralną, symfoniczną, czwarty poziom oraz sklep z pamiątkami. Bilety w cenie 20 złotych (10 złotych ulgowe) dostępne są w kasie, biletomacie i online, rezerwacja nie jest wymagana.

Orkiestra Symfoniczna Filharmonii w Szczecinie wystąpi 8 sierpnia 2026 na Choriner Musiksommer, letnim festiwalu muzyki klasycznej odbywającym się w ruinach cysterskiego opactwa w Chorin w Niemczech. Pod dyrekcją Przemysława Neumanna orkiestra wykona Serenadę na orkiestrę smyczkową op. 2 Mieczysława Karłowicza, jego utwór Odwieczne pieśni oraz II Symfonię D-dur Jeana Sibeliusa. Festiwal, organizowany od 1964 roku, gości każdego roku kilkanaście koncertów muzyki ze złotego wieku kompozycji europejskiej.

International Lutosławski Youth Orchestra to międzynarodowa orkiestra zrzeszająca studentów i młodych absolwentów uczelni muzycznych z całego świata, wybieranych corocznie spośród setek kandydatów. Zespół, który od 2013 roku koncertuje w Filharmonii w Szczecinie, wykonał m.in. w Gewandhausie w Lipsku i berlińskim Konzerthausie, podczas wrześniowego koncertu przedstawi utwory Grażyny Bacewicz, Jeana Sibeliusa i Modesta Musorgskiego w opracowaniu Maurice'a Ravela. W programie znalazły się: Uwertura na orkiestrę Bacewicz powstała w warszawskim getcie, Koncert skrzypcowy Sibeliusa oraz słynne Obrazki z wystawy, przekształcone przez Ravela w partyturę dla wielkiej orkiestry symfonicznej.

Filharmonia Szczecińska tradycyjnie zaprezentuje koncert na Skwerze Waleriana Pawłowskiego w dzielnicy Pogodno. Orkiestra wykonana będzie muzykę z filmów „Gwiezdne wojny" i „Indiana Jones" Johna Williamsa, suity „Planety" Gustava Holsta oraz przeboje zespołów takich jak Queen, Europe, Deep Purple i Imagine Dragons. Skwer nosi imię Waleriana Pawłowskiego, dyrygenta i kompozytora związanego ze Szczecinem przez pół wieku, który prowadził koncerty edukacyjne i pisał felietony o programach filharmonicznych. Koncert odbędzie się 6 września 2026 roku.

International Lutosławski Youth Orchestra to międzynarodowa orkiestra zrzeszająca studentów i młodych absolwentów uczelni muzycznych z całego świata, której skład wybierany jest corocznie spośród setek zgłoszeń. Podczas koncertu 6 września 2026 w Katowicach zespół wykona utwory Grażyny Bacewicz, Jeana Sibeliusa i Modesta Musorgskiego w opracowaniu Maurice'a Ravela. Orkiestra, której organizatorem jest szczecińska Filharmonia od 2013 roku, wcześniej koncertowała w prestiżowych salach europejskich, w tym Gewandhausie w Lipsku czy Konzerthausie w Berlinie.

Wystawa Obecność prezentuje malarstwo Łukasza Patelczyka jako przestrzeń spotkania dwóch fundamentalnych porządków: żywiołu natury i geometrycznej struktury. Artysta łączy język abstrakcji z pejzażem, tworząc obrazy, w których natura jawi się jako pierwotna, nietknięta działalnością człowieka – pozbawiona budynków, dróg czy śladów cywilizacji. To natura w stanie czystym, niemal sakralnym, miejsce skupienia i wolności. W kontraście do niej geometryczne formy stają się znakiem świadomości – śladem myśli wpisanym w organiczną materię świata. Nie dominują nad pejzażem, lecz wchodzą z nim w dialog, wyznaczając subtelną równowagę między tym, co intuicyjne, a tym, co racjonalne. Patelczyk nie opowiada historii, ani nie angażuje się w zewnętrzne dyskursy. Jego malarstwo pozostaje wolne od ideologii i politycznych narracji. Jest aktem kontemplacji – medytacją nad relacją między chaosem a porządkiem, między tym, co nieokiełznane, a tym, co skonstruowane. Powierzchnia obrazu staje się miejscem współistnienia obu porządków, gdzie natura i geometria nie konkurują ze sobą, lecz wzajemnie określają swoje znaczenie. Obrazy nie rozstrzygają tych napięć, lecz pozostają otwarte, pozostawiając przestrzeń dla uważnego spojrzenia i indywidualnego doświadczenia.

Przez dziesięciolecia wypały węgla drzewnego – miejsca, w których prowadzono jego produkcję – były nieodłącznym elementem bieszczadzkiego krajobrazu. Spotkać je można było niemal przy każdym szlaku, podobnie jak charakterystyczny dym unoszący się nad dolinami. Dym z tradycyjnych mielerzy, a później z retort był naturalnym elementem Bieszczad, przez lata rzadko stawał się tematem fotografii. Węgiel drzewny produkowano wszędzie tam, gdzie rozległe kompleksy leśne zapewniały dostęp do surowca i umożliwiały jego transport. W okresie największego rozwoju tej działalności na terenie Bieszczad funkcjonowało kilkadziesiąt wypałów, a liczba czynnych retort przekraczała dwieście. Z biegiem czasu wypały zachowały się niemal wyłącznie w Beskidach i Bieszczadach, a w ostatnich latach zaczęły zanikać nie tylko jako element krajobrazu, lecz także jako świat pracy i umiejętności związanych z tradycyjną produkcją węgla drzewnego. Jako pierwsze zniknęły duże wypały. Przegrały z rachunkiem ekonomicznym – rosnącymi cenami drewna oraz importem tańszego węgla drzewnego z zagranicy. Pozostały jedynie niewielkie wypały, liczące po kilka retort. Odchodzili także doświadczeni wypalacze. Ich losy były różnorodne. Dla jednych praca przy produkcji węgla drzewnego stała się źródłem stabilnego utrzymania, dla innych okazała się doświadczeniem naznaczonym samotnością i uzależnieniem. Prezentowana w Filharmonii im. M. Karłowicza wystawa to wybór z fotoreportażu Węglarze, smolarze, wypały zrealizowanego w latach 2020-2026, autorstwa Magdaleny i Tomasza Seidler-Kumorów oraz ich syna Michała Kumora. Podczas tych siedmiu lat fotografowania w Bieszczadach autorzy wykonali ponad 70 tysięcy zdjęć, zarówno w technice cyfrowej, jak i tradycyjnej – srebrowej. Wystawa jest próbą zachowania pamięci o świecie, który przemija – o ludziach, ich pracy i doświadczeniu, tworzących przez dziesięciolecia nieodłączny element bieszczadzkiego krajobrazu. Mielerz – tradycyjny stos drewna, uszczelniany ziemią lub darnią, służący do wypalania węgla drzewnego. Retorta – metalowy piec, najczęściej w formie walca, wykorzystywany do produkcji węgla drzewnego w kontrolowanych warunkach. Wypał – miejsce produkcji węgla drzewnego, wyposażone w jedną lub kilka retort.

Rozpoczęcie sezonu artystycznego to zawsze szczególny moment. To chwila, w której otwieramy kolejny rozdział działalności Filharmonii w Szczecinie, ale także zapraszamy Państwa do wspólnej podróży przez świat muzyki – pełen emocji, odkryć i spotkań z najwybitniejszymi dziełami różnych epok. Inauguracja 79. sezonu artystycznego będzie świętem muzyki symfonicznej i symbolicznym początkiem roku, który przyniesie dziesiątki wyjątkowych koncertów, znakomitych gości oraz programów przygotowanych zarówno dla naszych wiernych melomanów, jak i osób dopiero rozpoczynających swoją przygodę z muzyką klasyczną. Nadchodzący sezon obfitować będzie w wydarzenia prezentujące bogactwo muzycznych tradycji i stylistyk. Powrócą cenione cykle koncertowe, w tym cieszące się ogromną popularnością Pomniki symfoniki , dzięki którym można obcować z najważniejszymi dziełami światowej literatury orkiestrowej. Nie zabraknie wybitnych solistów, laureatów prestiżowych konkursów międzynarodowych, uznanych dyrygentów oraz artystów przyjeżdżających do Szczecina z różnych stron świata. Kontynuowany będzie również cykl FilHERmonia , ukazujący twórczość i działalność kobiet w świecie muzyki. Szczególne miejsce w programie sezonu zajmie pierwsza edycja Festiwalu Muzyki Mieczysława Karłowicza. Nasz Patron należy do najwybitniejszych polskich symfoników, a jego poematy symfoniczne stanowią jedno z najcenniejszych osiągnięć muzyki przełomu XIX i XX wieku. Do Szczecina przyjadą polskie orkiestry, aby zaprezentować jego dzieła, a sam festiwal stanie się okazją nie tylko do słuchania tej muzyki, ale również do refleksji nad postacią Karłowicza i znaczeniem jego artystycznego dziedzictwa. Kim był człowiek, którego imię nosi nasza instytucja? Jakie wartości reprezentował? Co jego twórczość może powiedzieć współczesnemu odbiorcy? Koncert inauguracyjny zapowiada sezon w najlepszy możliwy sposób. Program otworzy uwertura Egmont Ludwiga van Beethovena – muzyczny symbol walki o wolność, odwagi i niezłomności ducha. Następnie zabrzmi II Koncert fortepianowy f-moll Fryderyka Chopina, jedno z najpiękniejszych dzieł młodego kompozytora. Partię solową wykona David Khrikuli - pianista należący do grona najbardziej interesujących młodych artystów swojego pokolenia, laureat międzynarodowych konkursów i ceniony interpretator repertuaru romantycznego. Druga część wieczoru skieruje nas na północ: usłyszymy II Symfonię D-dur Jeana Sibeliusa – utwór uznawany za jedno z najważniejszych osiągnięć skandynawskiego symfonizmu. Monumentalna, pełna przestrzeni i narastającej energii kompozycja prowadzi słuchacza od nastrojowych pejzaży do jednego z najbardziej triumfalnych finałów w historii muzyki. Całość poprowadzi Przemysław Neumann – dyrygent i dyrektor artystyczny Filharmonii w Szczecinie. Inauguracja sezonu to zaproszenie do wspólnego przeżywania muzyki przez cały nadchodzący rok. Zapraszamy do rozpoczęcia tej podróży razem z nami.

Są córkami wielkich polskich kompozytorów, ale żadna z nich nie chciała pozostać jedynie „córką”. Tytuł projektu (NIE)Córki odnosi się do Irene Poldowski, córki Henryka Wieniawskiego, oraz Roxanny Panufnik, córki Andrzeja Panufnika. Nawiasowe „nie” podkreśla ich artystyczną niezależność: obie wychowały się w cieniu sławnych nazwisk, lecz wypracowały własny język muzyczny i własne miejsce w historii muzyki. Irene Poldowski , właściwie Régine Wieniawska, urodziła się w 1879 roku w Brukseli. Była najmłodszą córką Henryka Wieniawskiego, który zmarł, gdy miała zaledwie dziesięć miesięcy. Studiowała fortepian i kompozycję w Brukseli, Paryżu i Londynie, między innymi u Vincenta d’Indy’ego i André Gedalge’a. Po ślubie z brytyjskim arystokratą Aubreyem Deanem Paulem funkcjonowała również jako Lady Dean Paul, jednak swoje utwory publikowała przede wszystkim pod pseudonimem Poldowski. Jego dokładna geneza nie jest znana. Neutralne lub męskie brzmienie mogło zacierać płeć autorki i dystansować ją od nazwiska sławnego ojca, a zarazem przywoływało skojarzenia z jej polskimi korzeniami. Najważniejsze miejsce w jej twórczości zajmują pieśni, zwłaszcza kompozycje do wierszy Paula Verlaine’a. Poldowski stworzyła ponad dwadzieścia opracowań jego poezji, łącząc francuską wrażliwość słowa z harmonią bliską impresjonizmowi Debussy’ego i Ravela. Są to krótkie muzyczne obrazy miłości, tęsknoty, melancholii, zmysłowości i ulotnych wspomnień. Roxanna Panufnik urodziła się w 1968 roku w Londynie. Jest córką Andrzeja Panufnika, jednego z najwybitniejszych polskich kompozytorów XX wieku, który po emigracji z Polski zamieszkał w Wielkiej Brytanii. Roxanna dorastała więc w polsko-brytyjskim domu muzycznym. Jej muzyka łączy tradycję europejską z inspiracjami zaczerpniętymi z różnych kultur i religii, a ważnymi tematami są w niej pamięć, duchowość, dialog oraz spotkanie odmiennych tradycji. Podczas koncertu usłyszymy jej utwór Cantator & Amanda na fagot i kwartet smyczkowy. Kompozycja opowiada średniowieczną legendę z angielskiego miasta Rye o zakazanej miłości mnicha Cantatora i miejscowej dziewczyny Amandy. Próba wspólnej ucieczki kończy się tragicznie: mnich zostaje schwytany i zamurowany żywcem w murach klasztoru, a Amanda umiera z rozpaczy. Projekt przygotował Poldowski String Quartet, założony w 2022 roku przez Martę Piórkowską, Agatę Krystek, Damiana Kułakowskiego i Mateusza Błaszczaka . Artyści są związani między innymi z Filharmonią Narodową, Sinfonią Varsovią, Polską Orkiestrą Sinfonia Iuventus oraz Hashtag Ensemble. Zespół zadebiutował rok później podczas festiwalu WarszeMuzik , a wybór Poldowski na patronkę kwartetu stał się wyrazem ich zainteresowania twórczością artystów zapomnianych lub pozostających poza głównym nurtem repertuaru.

Podczas pierwszego koncertu z cyklu FilHERmonia w tym sezonie wraz z naszą Orkiestrą Symfoniczną na scenie staną koreańska wiolonczelistka Sul Yoon, laureatka belgijskiego Queen Elisabeth Competition, oraz niemiecka dyrygentka Katharina Morin, zwyciężczyni Deutscher Preis. Ale zanim zaczniemy oklaskiwać ich muzyczne dokonania, prześledźmy historię, która stoi za FilHERmonią . Droga kobiet na estradę zaczęła się od walki o prawo, by w ogóle być widzianymi jako artystki publiczne. Już w XVII i XVIII wieku pojawiały się postacie wyjątkowe – jak Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre (1665-1729), francuska klawesynistka, organistka i kompozytorka, zapamiętana jako pierwsza kobieta, która skomponowała operę we Francji, czy Maria Theresia von Paradis (1759-1824), wiedeńska pianistka, znana w całej Europie. Jednak przez długi czas kobieca wirtuozeria funkcjonowała na marginesie oficjalnego życia muzycznego, zepchnięta do dworu, salonu albo wyjątku potwierdzającego regułę. Prawdziwy przełom przyniósł dopiero XIX wiek, kiedy publiczny koncert stał się centrum kultury muzycznej: Clara Schumann (1819-1896) już w 1835 roku miała renomę w całej Europie, a w roku 1838 została uhonorowana przez dwór austriacki i przyjęta do Gesellschaft der Musikfreunde w Wiedniu; mimo ośmiorga dzieci i ciężaru życia rodzinnego nadal intensywnie koncertowała. Obok niej rosła cała linia kobiet, które odbierały instrumentom łatkę „niestosownych”: Camilla Urso (1842-1902), która musiała przełamywać sceptycyzm wobec skrzypiec jako rzekomo „męskiego” instrumentu, oraz Maud Powell (1868-1920), uznawana po obu stronach Atlantyku za jedną z najwybitniejszych skrzypaczek swoich czasów. Jeszcze bardziej stroma okazała się droga kobiet do batuty, bo dyrygentura długo uchodziła nie tylko za zawód męski, ale wręcz za symbol instytucjonalnej władzy w muzyce. Dlatego tak ważne są konkretne daty: 5 listopada 1887 roku Mary Wurm, uczennica Clary Schumann, została pierwszą kobietą na podium Berliner Philharmoniker; w 1923 roku Eva Brunelli jako pierwsza kobieta poprowadziła ten zespół w pełnowymiarowym programie. Nadia Boulanger w 1938 roku została pierwszą kobietą, która poprowadziła koncert abonamentowy New York Philharmonic. Mimo tych sukcesów instytucje zmieniały się boleśnie wolno: Madeleine Carruzzo została pierwszą kobietą przyjętą do Berliner Philharmoniker dopiero w roku 1982, a słynni Wiedeńczycy przyjęli pierwszą członkinię, harfistkę Annę Lelkes, dopiero w 1997 roku (!). Dzisiaj sytuacja wygląda inaczej, ale historia wciąż się nie domknęła. Kiedy Marin Alsop w 2013 roku została pierwszą kobietą dyrygującą Last Night of the Proms , Royal Albert Hall słusznie potraktował to jako wydarzenie historyczne; sama Alsop zauważyła wtedy z ironią, że w 2013 roku nie powinno już być takich „pierwszych razów”. Jeszcze w sezonie 2021/2022 w Metropolitan Opera podkreślano, że pięć kobiet na podium w jednym sezonie to najwięcej w dziejach teatru. A przecież mówimy o instytucjach, które od dawna wyznaczają światowy standard! Dlatego promocja solistek i dyrygentek to zwykłe przywracanie proporcji między talentem a widzialnością, między kompetencją a dostępem do sceny. Innymi słowy: historia kobiet w muzyce to historia długiego marszu do momentu, w którym artystka nie musi być już sensacją. Wystarczy, że jest znakomita.

W weekendowe poranki zapraszamy do Filharmonii na wyjątkowe warsztaty dla najmłodszych adeptów sztuki, gdzie nasi muzycy i edukatorzy będą próbowali sprostać wyzwaniom dziecięcej wyobraźni. Warsztaty Raniutto to znakomita możliwość spotkania się z muzyką poważną w całkiem niepoważnym wydaniu. Podczas wspólnej wędrówki przez historię uczestnicy poznają ciekawostki z życia znakomitych kompozytorów. Pod bacznym okiem doświadczonych animatorów odkrywają różnorodność brzmień instrumentów tworzących zespoły kameralne. Ale to nie koniec atrakcji! W trakcie warsztatów dzieci biorą udział w interaktywnych grach rytmicznych i słuchowych, które pomagają rozwijać wrażliwość i koordynację. Prowadzący z pasją i energią przekazują wiedzę za pomocą piosenek i zabaw, tworząc atmosferę pełną radości i inspiracji. Pomaga im bardzo ważny „ktoś” – maskotka warsztatów, mądry Pan Karłowicz. Warsztaty Raniutto to niezapomniana podróż w świat muzyki, rozbudzająca wyobraźnię i kształtująca pasję do odkrywania sztuki dźwięków i melodii. Nasi prowadzący to Natalia Wesołowska – wiolonczelistka Orkiestry Symfonicznej Filharmonii, szczecińska muzyczka i animatorka – oraz Bartłomiej Orłowski – nauczyciel gry na ukulele, edukator i kompozytor. Warsztaty Raniutto przeznaczone są dla dzieci od 1. do 6. roku życia i odbywają się: o godzinie 9.00 dla najmłodszych w wieku 1-2 lat, o godzinie 10.30 dla dzieci w wieku 3-4 lat, o godzinie 12.00 dla dzieci w wieku 5-6 lat. Warsztaty odbywające się w danym miesiącu realizowane są wg tego samego scenariusza.

Czy fortepian może opowiadać historię? Zapraszamy na wyjątkowy koncert, który zabierze Was w magiczną podróż w czasie! Poznacie niezwykłego bohatera – to fortepian Ludwik, który ponad sto lat temu grał w szczecińskim Konzerthausie… a potem na długi czas zniknął. Gdzie był? Co widział? Jakie melodie zapamiętał? Podczas koncertu Ludwik znów przemówi – dźwiękami! Razem z pianistą opowie swoją historię: pełną emocji, tajemnic i pięknej muzyki. To nie będzie zwykły koncert, ale muzyczna przygoda, w której dzieci staną się odkrywcami przeszłości. Czekają na Was dźwiękowe zagadki, wspólne rytmy i chwile, w których wyobraźnia działa szybciej niż czas. Przyjdźcie całą rodziną i przekonajcie się, jak brzmi historia, która wróciła do życia. Bo niektóre instrumenty nigdy nie przestają opowiadać… tylko czekają, aż ktoś znów ich posłucha.

State of Matter , najnowszy projekt Dobrawy Czocher , to muzyka zrodzona z obserwacji morza. Codzienny widok Bałtyku stał się dla niej impulsem do refleksji nad zmianą – tą, która nieustannie zachodzi w naturze, i tą, którą każdy z nas przechodzi w swoim życiu. Morze nigdy nie wygląda tak samo. Zmienia kolor wraz ze światłem, pogodą i porą roku. Jest spokojne i przejrzyste, by chwilę później stać się wzburzone i nieprzewidywalne. To właśnie w tej nieustannej przemianie Dobrawa Czocher odnalazła metaforę ludzkiego doświadczenia. W Szczecinie doskonale rozumiemy taki sposób myślenia o wodzie. Tutaj rzeka spotyka się z morzem, a krajobraz tworzą Odra, jezioro Dąbie, kanały, wyspy i Zalew Szczeciński. Woda jest drogą, która od wieków przynosiła ludzi, idee i kulturę. Miasto nieustannie się zmienia, podobnie jak zmienia się jego portowy pejzaż. Dlatego muzyczny świat State of Matter wydaje się tak bliski właśnie tutaj, nad Odrą, gdzie ruch, przepływ i otwartość są częścią lokalnej tożsamości. Tytuł albumu można odczytywać na wiele sposobów. To oczywiście „stan materii”, ale również stan człowieka – jego emocji, pamięci i wyobraźni. Kolejne kompozycje prowadzą nas przez doświadczenia niepewności, tęsknoty, odwagi i wewnętrznej przemiany. Charakterystyczne brzmienie wiolonczeli Dobrawy Czocher, wzbogacone subtelną elektroniką i syntezatorami Natalii Czekały tworzy muzykę pomiędzy klasyką, ambientem i współczesną muzyką elektroniczną. Dobrawa Czocher należy do grona najbardziej rozpoznawalnych polskich wiolonczelistek i kompozytorek młodego pokolenia. Międzynarodową rozpoznawalność przyniosły jej zarówno autorskie projekty, jak i wieloletnia współpraca z Hanią Rani, z którą koncertowała na najważniejszych scenach Europy, Ameryki Północnej i Azji. Ze Szczecinem łączą ją również szczególne związki – w latach 2018-2023 była liderką grupy wiolonczel w naszej Orkiestrze Symfonicznej, a właśnie tutaj dojrzewała jej artystyczna droga prowadząca do autorskiej twórczości. Towarzyszyć jej będzie Natalia Czekała – pianistka, kompozytorka, wokalistka i producentka muzyczna. Po siedemnastu latach klasycznej edukacji muzycznej w Poznaniu, Warszawie i Wiedniu wybrała własną drogę twórczą, łącząc doświadczenie muzyki klasycznej z improwizacją, elektroniką i muzyką teatralną. Jest założycielką zespołu ethno-jazzowego T/Aboret, z którym wydała album Cyjanotypia, a jako kompozytorka stworzyła muzykę do ponad trzydziestu spektakli teatralnych, czytań performatywnych, słuchowisk, animacji i filmów krótkometrażowych. To spotkanie z muzyką, która wyrasta z doświadczenia życia nad wodą i przypomina, że zmiana nie jest czymś, czego należy się obawiać. Tak jak morze nieustannie pozostaje w ruchu, tak również nasze życie bez przerwy przybiera nowe kształty.

Kolejny sezon Akademii rozpoczniemy spotkaniem z kompozytorem, którego słynne Cztery pory roku , powstałe ponad 300 lat temu, do dziś zna cały świat. Rudy Ksiądz, wirtuoz skrzypiec i autor około 800 kompozycji, zapozna nas z orkiestrą barokową oraz muzyką swoich czasów. Młodzi Melomani – przed Wami Antonio Vivaldi!

Donuta powraca – a razem z nią energia, którą wielu już dobrze zna i pamięta. Jakby ktoś na nowo otworzył drzwi do świata, w którym dźwięki mają swoje tajemnice, a muzyka potrafi zaskakiwać na każdym kroku. Donuta zna ten świat bardzo dobrze, ale nigdy nie przechodzi przez niego sama. Razem z najmłodszymi melomanami zagląda tam, gdzie coś brzmi inaczej, niż się spodziewamy, sprawdza, skąd bierze się dźwięk i co potrafią instrumenty, kiedy da się im trochę swobody. Donuta to cykl kameralnych koncertów zaprojektowanych z myślą o najmłodszych słuchaczach w wieku przedszkolnym i wczesnoszkolnym. Dzięki wyjątkowej formule spotkań dzieci nie tylko słuchają, ale aktywnie uczestniczą w muzycznych podróżach, które rozwijają wyobraźnię, uczą uważności i otwierają na świat dźwięków. Muzyka wykonywana na żywo przez muzyków Filharmonii im. Mieczysława Karłowicza w Szczecinie stanowi serce tych wydarzeń. To właśnie ona pozwala w naturalny i przystępny sposób łączyć doświadczenie z odkrywaniem – tak by muzyka była nie tylko słyszana, ale naprawdę przeżywana.

Jedna z najbardziej charyzmatycznych polskich wokalistek zaprasza do świata muzyki, która ją ukształtowała. Paulina Przybysz wraca do źródła – do jazzu i soulu, które od dziecka wypełniały jej dom głosami Nata Kinga Cole'a, Elli Fitzgerald czy Billie Holiday. Jednak Insides – materiał, który zostanie zaprezentowany – nie jest jedynie nostalgicznym hołdem. Coltrane, Sun Ra, Dizzy Gillespie spotykają się tu z wrażliwością ukształtowaną przez hip-hop, r'n'b i dekady muzycznych poszukiwań. Wokalistka odważnie sięga po klasyczne standardy, by opowiedzieć je na nowo swoim unikalnym, dojrzałym głosem. Na szczecińskiej scenie Przybysz wystąpi z wyjątkowym kwintetem – czołówką nowej generacji polskiego jazzu: Markiem Pędziwiatrem (fortepian, syntezatory), Tymonem Kosmą (wibrafon), Olafem Węgrem (saksofon tenorowy), Krzysztofem Baranowskim (kontrabas) i Wiktorią Jakubowską (perkusja). Będą to muzycy, z którymi artystkę łączą podobne inspiracje, wspólne studyjno-sceniczne doświadczenia oraz – co najważniejsze – podobna wizja i rozumienie tematu przewodniego. W tym gronie szacunek do klasyki spotyka się z odważnym eksperymentem. Ten koncert będzie czymś więcej niż tylko szczecińską premierą nowego repertuaru. Będzie to spotkanie z artystką, która po latach twórczych doświadczeń opowiada własną historię językiem muzyki, odsłaniając przed nami źródła własnego fenomenu. Reszta niech wybrzmi w sali symfonicznej. Old Devil Moon z płyty Insides Pauliny Przybysz

Holenderska skrzypaczka Noa Wildschut ma zaledwie 24 lata, a już ugruntowała swoją pozycję na międzynarodowej scenie muzyki klasycznej. W wieku sześciu lat wystąpiła na żywo w holenderskiej telewizji publicznej podczas Kinderprinsengrachtconcert 2007 w Amsterdamie. Rok później zadebiutowała w sali głównej Concertgebouw w Amsterdamie podczas koncertu Night of the Promising . We wrześniu 2016 roku została wyłączną artystką nagraniową wytwórni Warner Classics. Aleksandra Melaniuk to jedna z najbardziej obiecujących dyrygentek młodego pokolenia w Europie – stypendystka prestiżowego „Negaunee Conducting Program” przy San Francisco Symphony i Colburn School. Występowała już z czołowymi orkiestrami świata, m.in. Helsinki Philharmonic Orchestra i Los Angeles Philharmonic, a także współpracowała z zespołami takimi jak Chicago Symphony Orchestra czy Royal Concertgebouw Orchestra. W interpretacji tych dwóch znakomitych artystek usłyszymy I Koncert skrzypcowy Maxa Brucha. To zdecydowanie najsłynniejsze jego dzieło i jeden z filarów romantycznego repertuaru skrzypcowego. Koncert dojrzewał etapami: pierwsza pełna wersja została wykonana już w 1865 roku, ale kompozytor nie był z niej zadowolony; po gruntownych poprawkach konsultował utwór z Josephem Joachimem, który przyjął dedykację i wykonał wersję ostateczną w 1867 roku w Bremie. Formalnie koncert składa się z trzech części, ale pierwsza z nich ma charakter wstępu (Vorspiel) i łączy się z dalszym biegiem utworu niemal bez zatrzymania. Właśnie to odróżnia Brucha od bardziej klasycznego modelu koncertu: zamiast szerokiego sonatowego otwarcia dostajemy od razu dramatyczne wejście w materię muzyczną. Część środkowa należy do najpiękniejszych kantylen romantycznych, a finał czerpie energię z rytmiki tanecznej i żywiołowego ruchu. W drugiej części wieczoru zabrzmi Symfonia c-moll Felixa Mendelssohna, który napisał ją w 1824 roku, mając zaledwie 15 lat. Była to jego pierwsza symfonia na pełną orkiestrę, poprzedzona wcześniejszymi symfoniami smyczkowymi. Publiczna premiera odbyła się 1 lutego 1827 roku w Lipsku. Warto dodać, że 19 dni później w Szczecinie miał miejsce pierwszy publiczny występ młodego kompozytora i pianisty, podczas którego odbyła się prapremiera uwertury do Snu nocy letniej . Za kilka miesięcy przypadnie 200. rocznica tego wydarzenia, najważniejszego w całej muzycznej historii naszego miasta.

25 października Filharmonia w Szczecinie stanie się miejscem wyjątkowego spotkania dwóch muzycznych światów. Tego bowiem wieczoru Mitch & Mitch con il loro Gruppo Etereofonico złożą muzyczny hołd dla jednego z największych kompozytorów XX wieku, legendarnego Ennia Morriconego . Kombo, wzbogacone dźwiękami sekcji dętej i magiczną barwą wibrafonu, wykona materiał z nagrodzonej Fryderykiem płyty Amore assoluto per Ennio . W repertuarze znajdą się nieco mniej znane, acz niezwykle interesujące kompozycje Morriconego z lat 1969-1971, inspirowane stylistyką easy listeningu i bossa novy. Będą to pełne lekkości, elegancji i melodyjnego uroku utwory, które ukazują twórczość Maestro z nieco odmiennej, niż ta filmowa, perspektywy. Wszystko to opakowane będzie z autorskim sznytem aranżacyjnym spod znaku Mitch & Mitch . Ich interpretacje kompozycji Morriconego to połączenie mistrzowskiego wykonania, szacunku dla oryginału i autorskiej wrażliwości. Człowiek czuje, że otrzymuje w pełni zasłużony masaż. Odprężenie przychodzi momentalnie, a artyści grają, jakby słońce nad ich głowami nigdy nie przestawało świecić. (…) Może to najlepszy sposób na odpędzenie jesiennej deprechy? – napisał Jarek Szczęsny na łamach Nowamuzyka.pl . Koncert ten pozwoli na chwilę obniżyć tempo dnia codziennego, zanurzyć się w słonecznych brzmieniach południa i odkryć jedną z najpiękniejszych kart w twórczości Ennia Morriconego. Zapraszamy na muzyczną ucztę dla miłośników easy listeningu, jazzu, bossa novy i niebanalnych aranżacji.

Płyta Slavic Sessions znalazła się w gronie zaledwie pięciu albumów nominowanych do nagrody Grammy 2026 w kategorii Best Chamber Music/Small Ensemble Performance . To jedna z najważniejszych kategorii poświęconych muzyce kameralnej, a sama nominacja stawia Mateusza Kowalskiego i Maka Grgicia obok najbardziej cenionych zespołów współczesnej sceny klasycznej. W 2026 roku o statuetkę obok gitarzystów rywalizowały m.in. Neave Trio, Third Coast Percussion i Alarm Will Sound, który ostatecznie otrzymał nagrodę. Projekt polskiego gitarzysty Mateusza Kowalskiego i pochodzącego ze Słowenii Maka Grgicia został dostrzeżony nie jako wydawnictwo specjalistyczne czy gitarowe, ale jako jedno z najlepszych nagrań kameralnych całego roku. Słoweńską część programu tworzą tradycyjne melodie Shepherd’s Paths i The Mill , wykonywane w opracowaniach słoweńskiego kompozytora i pianisty Leona Firšta. Obok nich zabrzmią Macedonian Girl i Chicho Miroslava Tadicia – pochodzącego z Bośni gitarzysty i kompozytora, który od lat wprowadza muzykę Bałkanów do repertuaru koncertowego. Z XIX-wieczną polską tradycją gitarową wiąże się postać Jana Nepomucena Bobrowicza, jednego z najwybitniejszych wirtuozów gitary swojej epoki. W napisanych na gitarę Wariacjach op. 6 wykorzystał on melodię Là ci darem la mano duetu Zerliny i Don Giovanniego z opery Mozarta. Ten sam temat stał się wcześniej podstawą słynnych fortepianowych wariacji młodego Chopina. Bobrowicz zajmował się również przenoszeniem muzyki Chopina na gitarę. Obecność tych utworów przypomina o historycznym związku gitary z dziewiętnastowieczną kulturą salonową oraz o próbach włączania muzyki Chopina do repertuaru tego instrumentu podejmowanych już przez jemu współczesnych. Na albumie znalazły się również światowe premiery fonograficzne dwóch utworów Miroslava Tadicia. Stana’s Lament jest przeznaczoną na dwie gitary kompozycją o charakterze przejmującego lamentu, natomiast Walk Dance nr 2 wykorzystuje charakterystyczne dla muzyki regionu nieregularne metra. Mateusz Kowalski urodził się w Koszalinie w 1995 roku i ukończył Uniwersytet Muzyczny Fryderyka Chopina w Warszawie w klasie Ryszarda Bałauszki, otrzymując medal Magna cum laude . Występował między innymi w wiedeńskim Musikverein i Shanghai Grand Theatre oraz koncertował w Nowym Jorku, Los Angeles, Paryżu i Londynie. Szczególne miejsce w jego działalności zajmuje przywracanie polskiego repertuaru gitarowego oraz tworzenie nowych transkrypcji. W 2023 roku podczas festiwalu Chopin i jego Europa jako pierwszy wykonał publicznie Koncert fortepianowy f-moll Chopina w opracowaniu na gitarę i orkiestrę. Mak Grgić , urodzony w Lublanie słoweński gitarzysta, należy do najwszechstronniejszych współczesnych artystów swojego instrumentu. Łączy repertuar klasyczny z muzyką bałkańską, flamenco, muzyką współczesną i eksperymentami mikrotonowymi. Jest profesorem University of South Carolina oraz współtwórcą międzynarodowej sieci festiwali gitarowych EuroStrings. Nominacja za Slavic Sessions była już jego czwartą nominacją do Grammy – wcześniej wyróżniono jego albumy Mak Bach, A Night in Upper Town oraz Entourer .

Nie widziałem prawie nic poza pustymi kartkami, co najwyżej tu i ówdzie na którejś stronie znajdowało się kilka egipskich hieroglifów, zupełnie dla mnie niezrozumiałych, zapisanych jako wskazówki dla niego. Grał bowiem niemal całą partię solową z pamięci, ponieważ – jak to często bywało – nie zdążył jej jeszcze w całości zapisać na papierze. Tak wrażenia z premiery koncertu c-moll Ludwiga van Beethovena, w której kompozytor wystąpił również w roli solisty, zanotował Ignaz von Seyfried, jego przyjaciel, który miał pecha wcielić się tego wieczoru w rolę przewracacza stron. Koncert jest dzisiaj dziełem niezwykle popularnym. Jego dwa tematy pierwszej części – pierwszy krótki, mocny, urwany, tak charakterystyczny dla Beethovena, a drugi – piękny, radosny i liryczny – to melodie, który bodaj każdy z nas chociaż raz słyszał w życiu. A temat trzeciej części koncertu tak wpada w ucho, że będziemy go wszyscy nucić przez cały kolejny tydzień! Istnieją powody, aby przypuszczać, że Beethoven traktował relacje z kobietami z tym samym, właściwym sobie usposobieniem, raczej stawiając na spontaniczną żarliwość uczuć niż konsekwentną pracę nad relacjami. W życiu Beethovena kobiety były obecne, ale żadna z tych relacji nie przekształciła się w trwały związek. Pozostawał w bliskich kontaktach z kobietami ze swojego otoczenia – przyjaciółkami, uczennicami, arystokratkami – i z jego listów wynika, że potrafił przeżywać te relacje bardzo intensywnie. Pamiętał drobne gesty, przywiązywał się do rzeczy, które od nich otrzymywał, wracał myślami do wspólnych chwil. Emocje miały u niego dużą siłę i często nie były łagodzone dystansem. Najbardziej tajemniczym śladem pozostaje list „do nieśmiertelnej ukochanej” z 1812 roku. Nie znamy jej tożsamości, choć pojawia się kilka hipotez. Sam list jest niezwykle osobisty, pełen napięcia i tęsknoty. Pokazuje człowieka, który pragnie bliskości, ale nie potrafi jej ustabilizować w realnym życiu. Ta nierozstrzygnięta historia do dziś pozostaje jednym z najbardziej intrygujących wątków jego biografii. O symfonii Mozarta szerzej porozmawiamy następnego dnia, gdyż utwór ten będzie bohaterem kolejnego spotkania z cyklu Pomniki symfoniki . Jak każdego wieczoru pod hasłem FilHERmonia , gościć będziemy kolejną wspaniałą artystkę. Urodzona w 1990 roku w Odessie Olga Zado rozpoczęła karierę koncertową w wieku zaledwie siedmiu lat. Jako dwunastolatka zadebiutowała w filharmoniach w Hamburgu i Berlinie. Od tego czasu występowała jako solistka w najważniejszych europejskich salach koncertowych i zebrała pokaźną kolekcję międzynarodowych laurów. Jak zinterpretuje uczuciowy zamęt Beethovena? Dowiemy się już niedługo.

Dlaczego dany utwór staje się znany na całym świecie? Jak to się dzieje, że niektóre melodie potrafi zanucić prawie każdy? Albo że spośród kilkudziesięciu czy kilkuset utworów tylko jeden jest słynny? Zapraszamy na kolejny sezon cyklu Pomniki symfoniki , w którym nadal będziemy poszukiwać idei, znaczeń, symboli i fenomenów najsłynniejszych utworów orkiestrowych. To niepowtarzalna okazja do doświadczenia żywej, praktycznej lekcji muzyki, ale także nauka historii i świadomego słuchania! W roli przewodników niezmiennie nasz dyrektor Przemysław Neumann i Orkiestra Filharmonii w Szczecinie. Symfonia g-moll KV 550 Mozarta otwiera się motywem muzycznym, który każdy z nas przynajmniej raz w życiu słyszał. Nie ma tu efektownego, uroczystego wstępu – muzyka zaczyna się cicho, niemal niepewnie. Mozart buduje świat, w którym wszystko zdaje się wyrastać z jednego emocjonalnego źródła. Do tego dochodzi rzadko u niego spotykana tonacja g-moll – związana z jego najbardziej intensywnymi, niemal egzystencjalnymi wypowiedziami. Nawet historia powstania tej symfonii pozostaje niejasna: nie wiemy, z jakiej okazji została napisana, ani czy Mozart usłyszał ją w pełnej, satysfakcjonującej formie. Wszystko to sprawia, że mamy do czynienia z dziełem jednocześnie niezwykle precyzyjnym formalnie i głęboko tajemniczym. Być może właśnie ta niejednoznaczność sprawiła, że Symfonia nr 40 stała się jednym z najbardziej rozpoznawalnych utworów w historii muzyki. To muzyka, która działa zarówno na poziomie intuicji, jak i analizy: można ją przeżywać emocjonalnie, ale można też badać i rozkładać na czynniki pierwsze. O wielu wymiarach tego dzieła usłyszymy w wykładzie, który poprzedzi jego wykonanie. Warto też wspomnieć, że Symfonia g-moll KV 550 należy do tych dzieł, które przekroczyły granice sal koncertowych i stały się wręcz materiałem badawczym. Puścimy teraz oko do uczniów Hipokratesa – a wiemy, że Państwa nie brakuje wśród naszej publiczności. W badaniach klinicznych i neurofizjologicznych słuchanie właśnie tej symfonii służyło jako kontrolowany bodziec do obserwacji reakcji organizmu: analizowano m.in. zmiany prędkości przepływu krwi w mózgu (CBFV, mierzone przezczaszkowym Dopplerem – TCD w tętnicy środkowej mózgu, MCA), a także parametry autonomiczne, takie jak częstość akcji serca (HR) czy częstość oddechów (RR). Wyniki pokazują subtelne, ale mierzalne efekty – stopniowe obniżenie tych wskaźników w trakcie ekspozycji na muzykę – co sugeruje jej wpływ na regulację układu autonomicznego (modulacja aktywności współczulno-przywspółczulnej, zmiany hemodynamiczne i oddechowe w modelach z użyciem regresji z efektami mieszanymi). Innymi słowy: nauka udowodniła, że dzięki Mozartowi czujemy się lepiej. Takie są właśnie Pomniki symfoniki!